Ģitārists, komponists un grupas vadītājs Pats Metenijs ir viens no veiksmīgākajiem džeza mūziķiem pasaulē. Viņš pašlaik ir vienīgais mākslinieks, kas ieguvis 20 Grammy balvas 10 dažādās kategorijās. Viņš ir izcils stila pazinējs, kura muzikālajā rokrakstā savdabīga, eiforiska harmonijas izjūta saplūst ar afrolatīņu un brazīliešu skaņām, rokmūziku, funk, pasaules tautas mūziku un džezu. From This Place 2020. gadā albums tika nominēta Grammy balvai par labāko aranžējumu, instrumentiem un vokālu.
Ģitārists, komponists un grupas vadītājs Pats Metenijs ir viens no veiksmīgākajiem džeza mūziķiem pasaulē. Viņš pašlaik ir vienīgais mākslinieks, kas ieguvis 20 Grammy balvas 10 dažādās kategorijās. Viņš ir izcils stila pazinējs, kura muzikālajā rokrakstā savdabīga, eiforiska harmonijas izjūta saplūst ar afrolatīņu un brazīliešu skaņām, rokmūziku, funk, pasaules tautas mūziku un džezu. From This Place 2020. gadā albums tika nominēta Grammy balvai par labāko aranžējumu, instrumentiem un vokālu.
Ģitārists, komponists un grupas vadītājs Pats Metenijs ir viens no veiksmīgākajiem džeza mūziķiem pasaulē. Viņš pašlaik ir vienīgais mākslinieks, kas ieguvis 20 Grammy balvas 10 dažādās kategorijās. Viņš ir izcils stila pazinējs, kura muzikālajā rokrakstā savdabīga, eiforiska harmonijas izjūta saplūst ar afrolatīņu un brazīliešu skaņām, rokmūziku, funk, pasaules tautas mūziku un džezu. From This Place 2020. gadā albums tika nominēta Grammy balvai par labāko aranžējumu, instrumentiem un vokālu.
Izpildītāji: Pats Metenija
Albūms: From This Place
Ierakstu kompānija: Nonesuch Records
Izdots: 2020. gada 21. februārī
Pats Metenija: “From This Place ir viens no ierakstiem, kuru esmu gaidījis visu mūžu. Tā ir sava veida muzikāla kulminācija, kurā atspoguļojas plašais izpausmju spektrs, kas mani interesējis gadu gaitā, izvērsts uz plaša audekla un pasniegts tādā veidā, kas piedāvā tādas komunikācijas iespējas, kādas var iegūt tikai kopā ar mūziķu grupu, kas simtiem vakaru pavadījuši kopā muzicējot.
Pievienojiet tam visu jaunās mūzikas izaicinājumu un spontāno reakciju, ko tā radīja, novirziet to visu caur liela mēroga orķestrācijas prizmu, un negaidīti From This Place kļūst par kaut ko tādu, kas veicina daudzus no maniem galvenajiem centieniem kā mūziķim.
Vairākus gadus pirms šī projekta es ar kvartetu, kas ir šī ieraksta pamatā, apceļoju pasauli, piedāvājot mūzikas vakarus, kuros skanēja tikai agrāki skaņdarbi. Līdz tam praktiski visas manas koncertturnejas bija veltītas jaunās mūzikas atskaņošanai no jebkura tajā laikā aktuālā ieraksta, pa ceļam pievienojot dažus skaņdarbus no iepriekšējiem laikmetiem.
Līdz tam laikam es jau biju radījis vairākus simtus kompozīciju un nekad nebiju apstājies, lai atskatītos atpakaļ. Ideja par unikālas, ārkārtīgi talantīgu spēlētāju grupas pulcēšanos, kur katram no viņiem ir sava saistība ar manu vispārējo darbības jomu, mani uzrunāja, jo īpaši ideja identificēt un prezentēt melodijas, kas viņu rokās varētu būt pietiekami plastiskas, lai tās varētu atkārtoti apskatīt kā mūsu kopīgo improvizētāju prasmju un interešu starta platformu.
MATTHEW J LEE/BOSTON GLOBE VIA GETTY IMAGES
Kopā ar manu ilggadējo kolēģi pie bungām, izcilo Antonio Sančesu (Antonio Sanchez), aizraujošo jauno pianistu Gvilīmu Simkoku (Gwilym Simcock), kuram pievienojās Linda Meja Hana O (Linda May Han Oh), viena no pēdējos gados nozīmīgākajām jaunajām mūziķēm Ņujorkas skatuvē, man bija izveidojusies iespaidīga mūziķu grupa. Viņi bija sagatavoti dažādos veidos, lai spēlētu senāku mūziku tādā veidā, kas, kā es zināju, būtu aizraujoši un interesanti.
Tas, kas bija paredzēts kā salīdzinoši īsa koncertturneja, pēc pieprasījuma arvien tika pagarināts, galu galā izvēršoties par vairākus gadus ilgu koncertēšanu visā pasaulē, vienlaikus kļūstot par vienu no jautrākajām un patīkamākajām grupām, kas jebkad ir bijušas kopā ar mani uz koncertu skatuvēm.
Paralēli un līdztekus tam visam es arī piedalījos vairākās plašās dueta koncertturnejās ar vienu no maniem galvenajiem dzīves varoņiem, basģitāristu Ronu Kārteru. Papildus saviļņojumam, ko sagādāja kopā ar Kārtera kungu vakars pēc vakara uzstājoties uz skatuves, turneju grūtības mums deva arī daudz laika, ko pavadīt kopā ceļā. Šo daudzo stundu laikā, kas pavadītas automašīnās un lidmašīnās visā pasaulē, es varēju uzdot Ronam desmitiem jautājumu, kurus es kā viens no viņa lielākajiem faniem jebkad vēlējos viņam uzdot.
Tuvu saraksta augšgalam bija šis: kāpēc viņa vēlākajos gados, kad viņš spēlēja Miles Davis Quintet sastāvā, kas, iespējams, bija ietekmīgākā 20. gadsimta pēdējās puses grupa, ierakstot tādus klasiskus ierakstus kā Nefertiti, E.S.P. un tik daudzus citus, viņu tā laika koncertos pārsvarā turpināja skanēt standarti, kas veidoja lielāko daļu programmu, ko grupa bija spēlējusi iepriekšējos gados? (All Blues, Joshua, Autumn Leaves utt.)
Kāpēc tieši šīs melodijas, nevis jaunā mūzika, ko viņi ierakstīja?
Kārtera kungs man paskaidroja, ka Milesam bija sava filozofija, ko viņš piemēroja tieši šim sastāvam. Viņš vēlējās, lai šī grupa, vakaru pēc vakara kopā spēlējot pazīstamo mūziku, izstrādātu kodu, ko vēlāk varētu pielietot, lai radītu jaunu veidu, kā kopā spēlēt studijā. Kopīgu valodu, kas apvienotu to, ko spēlētāji cits citam ir pazīstami, spēlējot vecākās melodijas, ar to, ko jaunas kompozīcijas varētu piedāvāt studijā, radot labāko no abām pasaulēm.
Man galvā iedegās spuldzīte.
Biju vēlējies ierakstīt šo jauno grupu, bet pa ceļam biju ierakstījis tik daudz ģitāru/klavieru/basģitāru/basu/bungu kvarteta ierakstu, ka meklēju, kur paskatīties, ko es varētu darīt ar šo grupu, kas varētu būt atšķirīgs.
Tad kāpēc gan neuzrakstīt jaunu mūziku, ko pirmo reizi studijā prezentēt šai man tik labi pazīstamajai grupai? Nekādu mēģinājumu. Vienkārši iesim ar kaudzi mūzikas, ko es sacerētu tikai šai komandai – pavisam citu albumu, nekā mēs spēlējām dzīvajā izpildījumā, – un skatīsimies, kas notiks. Milesa kvinteta pieeja.
Paturot prātā šo mērķi, salīdzinoši īsā laikā es uzrakstīju 16 jaunus skaņdarbus, noteicu ieraksta datumu un pārliecinājos, ka mums ir pietiekami daudz studijas laika, lai ienirt visā, ko šis materiāls varētu piedāvāt. Neilgi pirms sesijām bija daži skaņdarbi, par kuriem es sapratu, ka varētu gūt labumu no Gvilima un Lindas aranžēšanas, lai izmantotu viņu īpašās dotības kontekstā ar to, ko es iedomājos, ka šie skaņdarbi varētu ieteikt. Un es no pieredzes zināju, ka viss, ko es došu Antonio, tiks izdomāts no jauna uz vietas, pateicoties viņa nepārspējamajai muzikalitātei. (Papildus tam, ka Antonio ir viens no savas paaudzes izcilākajiem bundziniekiem, viņam piemīt arī unikālas spējas radīt ierakstu studijā lietas, kas viņu ierindo to spēlētāju elites grupā, kuri patiešām spēj uztvert pašu studiju kā sava instrumenta turpinājumu.)
Kad mēs sākām pirmo ieraksta dienu, man bija vēl viens brīdis, kad iedegās spuldzīte.
Kad mēs spēlējām, es savā galvā sāku dzirdēt lietas, kas vēl nebija uzrakstītas uz lapas.
Es ātri sapratu, ka šie skaņdarbi prasa orķestrāciju, paplašinājumu un krāsu. Kaut kā komponēšanas laikā man bija sajūta, ka to, pie kā strādāju šīm gaidāmajām sesijām, būtība ietver plašāku skatījumu uz kaut ko, bet es nespēju to identificēt, līdz mēs faktiski sākām ierakstīt.
Uzreiz es sāku mainīt mūziku, lai ļautu tam notikt, lai atbrīvotu vietu šim citam slānim, ko biju iztēlojies, mudinot visus atstāt vietas citu, vēl nedefinētu detaļu parādīšanās iespējai. Tas, kas sākās kā attāla vīzija, pēkšņi uzplauka un kļuva par galveno aspektu, kas padara šo ierakstu atšķirīgu no visiem citiem, ko esmu radījis.
Lai gan sešdesmito gadu avangarda kustības skanisko valodu cilvēki varētu raksturot kā identificējamu vispārīgu skanējumu, es vienmēr esmu uzskatījis, ka tā laikmeta vispārējais radošuma uzplaukums ir vairāk ekumenisks.
Stilistiskās pārmaiņas, kas tolaik notika mūsu sabiedrībā, ietvēra ne tikai acīmredzamus piemērus, kad individuāli spēlētāji izmantoja paplašinātas tehnikas uz saviem instrumentiem jaunos veidos vai jaunus ansambļu veidus, bet arī mežonīgi jaunas pieejas, ko piedāvāja tehnoloģijas, jo īpaši ierakstu tehnoloģijas.
Vairāku celiņu ieraksti ļāva radīt pilnīgi jaunus mūzikas veidus.
Maz ticams, ka tā laika CTI izdevniecības ierakstus tā laika (vai, iespējams, jebkura cita) džeza kritiķi nekad neuzskatītu par “avangardiskiem”. Taču, raugoties no manas kā jauna fana vietas, ideja, ka tāds izcils un pieredzējis aranžētājs kā Dons Sebeskijs ņem tādu izcilu mūziķu kā Herbija Henkoka un Rona Kārtera improvizēto materiālu un ieauž viņu līnijas un balsis turpmākajā orķestrācijā, bija ne tikai jauna veida aranžēšana; tā radīja cita veida skanējumu un mūziku.
Tas bija veids, kā pasniegt mūziku, kas pilnīgi jaunā veidā atspoguļoja spēlētāju un improvizētāju impulsus, izmantojot orķestrāciju. Man ļoti patika šie ieraksti.
Šis nebūs mans pirmais ieraksts, kurā ir parādījies šis vienādojums – vispirms ierakstīt, pēc tam orķestrēt. Taču tas ir visplašākais un, manuprāt, arī visorganiskākais. Jau no pirmajām notīm, ko mēs ierakstījām, tas bija mērķis, ko es biju iecerējis.
Lai palīdzētu nākamajā posmā, es pieaicināju divus no saviem iecienītākajiem mūziķiem un divus no izcilākajiem un progresīvākajiem aranžētājiem, kādi šobrīd ir uz skatuves: lielisko Alanu Brodbentu un bezgala atjautīgo Gilu Goldšteinu. Tā kā ar viņiem abiem esmu strādājis jau agrāk, zināju, ka viņi abi ir tieši piemēroti tam, ko šī mūzika prasīja.
Es sadalīju dziesmas starp abiem, pamatojoties uz to, kāds materiāls, manuprāt, viņus visvairāk iedvesmos, un katram no viņiem devu dažus norādījumus, kad, ko un kur es dzirdēju. Īsā laikā viņi abi izveidoja izcilus grafikus, kas uzlaboja un iekrāsoja to, ko es biju sacerējis, vienlaikus atsaucoties uz pašiem priekšnesumiem tajos skaņdarbos, kas viņiem tika piešķirti. (Bija aizraujoši saņemt viņu viedokli par šo mūziku un apbrīnot leņķus un dimensijas, ko viņi abi spēja atklāt.
Kaut kādā veidā atsauce uz filmu skaņdarbiem un amerikāņu kino mūziku kopumā visu laiku atradās turpat virspusē. Lai gan orķestra mūzikas ierakstīšanai noteikti ir iespējams doties uz Austrumeiropu (kā tas budžeta apsvērumu dēļ bieži notiek mūsdienās), es jutu, ka šīs mūzikas būtība ir tik amerikāniska, ka, ja vien tas ir iespējams, to vajadzēja darīt šeit, Savienotajās Valstīs – un jo īpaši Losandželosā. Ir zināma ritmiskās intensitātes kvalitāte, kā arī vispārēja izcilība, ko rada labākie filmu skaņu studiju mūziķi, ko es nekur citur neesmu dzirdējis.
Pateicoties izcilā diriģenta Džoela Maknīlija (Joel McNeely) un viņa līdzstrādnieku pūlēm, mums izdevās ne tikai iegūt Losandželosas labākos spēlētājus, lai tie uzstātos Džoela priekšzīmīgā vadībā, bet arī ierakstīt to visu vienā no labākajām skaņu studijām. Mums izdevās panākt tieši tādu skaņu, kādu es biju cerējis iegūt.
Kad orķestra partijas bija ierakstītas, man bija skaidrs, ka ir vajadzīgi daži galvenie viesmākslinieki, lai pabeigtu darbu. Luisu Konti ne velti mākslinieki visā stilistiskajā spektrā dēvē par labāko studijas perkusionistu pasaulē – viss, ko viņš dara, iederas tā, ka grūti iedomāties, kā skaņdarbs varētu skanēt bez viņa. Greguārs Marets savas karjeras sākumā bija dalībnieks vienā no manām agrākajām grupām un ir kļuvis par pieprasītāko harmoniķi mūsdienu mūzikā. Viņi abi sniedza fantastisku ieguldījumu.
2016. gada 8. novembrī mūsu valsts kaunpilnā veidā atklāja pasaulei to savu pusi, kas tās nesenajā vēsturē lielākoties bija slēpta no citu acīm. Es uzrakstīju skaņdarbu From This Place nākamās dienas agrā rītā, kad vēlēšanu rezultāti kļuva skumji acīmredzami.
No šīs vietas es nevaru redzēt vissmagākā tumsa zem augošās jūras. No šīs vietas es neticu visām savām cerībām savam saldajiem mierinājumiem. No šejienes es saku, ka nevaru elpot. Bailēs un sāpēs mēs atkal asiņojam. Nedroši, nedroši, neskaidri man nezinu, kā būt. No šīs vietas man jāturpina uzticēties mīlestībai. Patiesība lai ir mana vaduguns. No šejienes es stāvēšu kopā ar tevi Kamēr sirdis būs patiesi brīvas.
Bija tikai viens mūziķis, kuru es varēju iedomāties to dziedam, un tā bija Meselle Ndegeocello, viena no mūsu laika izcilākajām māksliniecēm. Viņas partneres Alison Riley vārdi precīzi atspoguļoja tā traģiskā brīža sajūtu, vienlaikus apliecinot cerību uz labākām dienām nākotnē.
Tomēr, tuvojoties 50 gadu jubilejai, kopš esmu ierakstījies un muzicējis, atskatoties uz visu mūziku, kurā esmu piedalījies, man ir grūti uzreiz atcerēties tā laika politisko klimatu, kurā lielākā daļa no tās tika radīta. Un, ja arī varu, tad atmiņas par šīm detaļām šķiet gandrīz nesvarīgas attiecībā uz pašu mūziku.
Valūtā, ar kuru man ir bijusi privilēģija tirgoties šo gadu laikā, galvenā vērtība tiek piešķirta tam, kas mūziku padara par mūziku — pārlaicīgu un transcendentālu.
Mūzika nepārtraukti atklāj sevi kā visbeidzot un mazliet dīvaini neiecietīgu pret pārejošu detaļu kāpumiem un kritumiem, kas, iespējams, pat ir piedalījušies tās dzimšanā. Mūzika saglabā savu būtību un garu pat tad, kad to veidojošā kultūra izzūd, līdzīgi kā netīrumi, kas rada spiedienu ap dimantu, tiek sen aizmirsti, kad dimants spīd.
Es ceru, ka šis ieraksts varētu liecināt par maniem pastāvīgajiem centieniem ievērot šīs vērtības.”
Kens Micallefs: Ko nozīmē albuma nosaukums From This Place?
Pat Metheny: Man albuma nosaukuma nebija līdz pašām beigām, kamēr es biju pilnīgā satraukuma režīmā. Es lūdzu Meshell Ndegeocello iedziedāt melodiju un uzrakstīt tekstu. Viņas partnere Alison Riley uzrakstīja vārdus, kas ir lieliski. Tad kādu dienu es sapratu, ka tas ir albuma nosaukums! Kopš ieraksta iznākšanas tas ir kļuvis vēl skanīgāks. … Meshell dziedātie vārdi attiecas tieši uz to. Tie ir arī ļoti specifiski attiecībā uz to, ko pandēmija ir devusi, – ideju par pārvarēšanu caur cerību. Mēģināsim to pārvarēt un padarīt lietas labākas.
Laiks džezam 
You must be logged in to post a comment.